Hurt (500 Great Songs #24)

Artiste : Johnny Cash (Reprise de Nine Inch Nails)

Label : American / Lost Highway

Date de sortie : 5 novembre 2002 (album) / 3 novembre 2003

Durée : 3'39''

Certaines chansons sont parfois révélées par leurs reprises. (All Along the Watchtower de Dylan par Hendrix par exemple). C'est le cas de Hurt, composition grandiloquente de Trent Reznor pour son groupe Nine Inch Nails. Cash, lors de ses dernières années fut produit par Rick Rubin, grand spécialiste de musique qui fait du bruit. Ils tireront de cette collaboration quatre albums fabuleux (du vivant de Cash) dont le dernier American IV, The Man Comes Around sur lequel figure Hurt et qui reprend déjà Personnal Jesus de Depeche Mode. Deux choix plus qu'ambitieux et inatendus pour une référence de la Country Music.

Essai transformé s'il en est. Hurt nous montre un Cash en fin de vie, faisant résonner chaque mot du sens qui lui est dû. Pour lui qui avait longtemps pris des drogues, et en connaissait les effets, nul doute que la portée du texte a littéralement transcendé l'interprétation. Les arrangement quand à eux, réduits au minimum, dépouillés, insufflent une mélancolie que la voix ne vient pas chasser, loin de là.

La vidéo, réalisée par Mark Romanek, montre Cash en roi décadent dans sa maison transformée en musée à sa gloire. (La maison brûlera dans un incendie accidentel le 10 avril 2007).

Hurt version Cash fut élu Single de l'année 2003 aux Country Music Award.

Ne dites pas : I wear this crown of shit.

Dites : I wear this crown of thorns.

Regardez Hurt :

Angels In America

Artiste : Thomas Newman

Label : Nonesuch

Année : 2 décembre 2003

Durée : 71'43''

Angels In America était à l'origine une pièce de théatre de cinq heures. HBO en a fait une mini série. L'histoire ? L'apparition du SIDA dans le New York des années 80. Le questionnement des personnages sur leur identité, leur homosexualité (assumée, refoulée, montrée ou cachée), leurs rapports face à une maladie à l'époque mal connue et les débuts de l'AZT, réservé à quelques "chanceux". Et pourtant, si le ton est tragique sous bien des aspects, il est aussi comique sous bien d'autres.

Pacino, cabotine, comme seul Pacino sait le faire, Meryl Streep en mère de Mormon, en Ethel Rosenberg mais aussi en rabin (masculin avec longue barbe blanche) est excellente, Jeffrey Wright (vu dans Basquiat de Julian Schnabel) délire en infirmier gay de choc et en fantasme hallucinatoire de Mary-Louise Parker (vue dans The West Wing, Weeds, et dans à peu près tous mes rêves... Mary Louise, Mary Louise, Marry Me...)... Quant à Emma Thompson, en infirmière, clocharde, et surtout en Ange est pour le moins surprenante.

Le côté fantastique, les Anges et leurs apparitions, leur nécessité même dans l'histoire, et les hallucinations médicamenteuses d'une femme dont le mari est Mormon et Homosexuel, sont parfois un peu durs à comprendre, mais Angels in America se veut une fresque baroque (au sens Queer) et, de ce point de vue on peut dire le pari réussi.

Thomas Newman, qui avait déjà composé le générique de l'excellente série Six Feet Under pour HBO, revient ici avec une bande originale à la fois classique, mais aussi pour le moins déjantée, s'amusant de nombreux styles et les mélangeants à loisir jusqu'à obtenir un Plasma Orgasmata du plus bel effet.

Pour preuve, le côté symphonique et fin du baroque, qui emprunte parfois à de glorieux aînés comme Mozart ou Handël (The Infinite Descent). Le côté médiéval (Spotty Monster) présent lorsque l'un des personnages voit apparaître certains de ces ancètres du Moyen-Age. Des morceaux plus dans la veine du compositeur d'American Beauty (Main Title, Mauve Antartica), et même une résurgence Wagnerienne (La fin du titre Plasma Orgasmata) qu'on jurerait tout droit sortie des Nibelüngen.

Newman, donne ici, toute la mesure de sont talent, à la fois en tant qu'illustrateur sonore, mais aussi en tant que grand accompagnateur de l'action et des sentiments. A la fois subtil et fort, intime et grandiose. Angels In America est l'une de ces plus belles B.O.

Regardez le générique d'ouverture, qui vous emportera de la côte ouest à la côte est, du Golden Gate Bridge à la la Bethesda Fountain, au beau milieu de Central Park en passant par Vegas, St Louis, et Chicago...

Et juste pour le plaisir, un petit extrait avec Mary Louise Parker (et Jeffrey Wright):

Elephant

Artiste : The White Stripes

Date de sortie : 1er avril 2003

Label : XL Recordings

Durée : 49'46''

S'il y en a un qui a des idées bien arrêtées sur l'industrie musicale actuelle, ses dérives, le P2P et autres piratage, c'est bien Jack White. Pour lui, aucun problème, il suffit de faire des albums avec ses tripes, de les enregistrer sans dépenser des milllions de dollars en mois de studio inutiles ou en marketing stupide et agressif. Sans oublier... de revenir au bon vieux vinyl. L'auditeur sera ravi de retrouver un véritable choix, qu'on ne le force pas à écouter de la musique à grand renfort de slogans abêtissants et finalement d'acheter selon ses goûts propres et non pas selon ceux qu'on voudrait lui voir adopter. Les disques rentreront à nouveaux dans leurs frais après quelques milliers de ventes et non quelques centaines de milliers et tout le monde sera content.

Saint Jack White, priez pour nous. Qu'a-t-il pu penser quand le riff de Seven Nation Army a commencé à être matraqué partout comme l'arme dévastatrice qu'il est, à savoir, le fer de lance tubesque et sans concession d'un grand disque qui déboule dans le magasin de porcelaine de la Star Ac'... ? Que s'est-il dit, celui qui déclarait : "Le jour où je vendrais un million de disque je saurais que j'aurais vraiment fait de la merde !" quand il remplit tous les Zenith dans lesquels ils se produit accompagné de sa soeur/épouse/siamoise/batteuse Meg White ? On aimerait bien le savoir.

Les notes de pochettes sont pourtant claires : "We mourn (...) in a disgusting world of oportunistic, lottery ticket holders caring about nothing that is long term, (...) only the easy way out." (Nous sommes en deuil (...) dans un monde dégoutant de possesseurs de billet de loterie oportunistes qui se n'ont rien à faire du long terme, (...) qui ne cherchent que la facilité)."

En tous cas, les White Stripes prouvent qu'à deux, on peut faire autant de bruit (dans tous les sens du terme), qu'à quatre ou cinq. Si ce n'est plus. Elephant, leur quatrième album ne se contente pas de creuser le sillon renouveau du garage rock de Detroit, il le dévie, l'entraîne sur des sentiers inattendus avec un sens du rythme (quoi qu'on puisse dire du jeu très tuckerien de Meg) et une tonicité qui font plaisir à entendre.

Alors, le "No Bullshit" finirait-il par payer ? Il est permis de le croire à l'écoute de titre comme Black Math, There's No Home For You Here, Girl You Have No Faith In Medicine, ou Ball & Biscuit dont on a peine à croire que l'énergie brute se satisferait d'un passage sur les ondes de Chérie FM.

L'album sait aussi s'adoucir, You've Got Her In Your Pocket chantée par Jack, et In The Cold Cold Night portée par la voix de Meg, douce et agréable avec ce drôle d'accent qu'on ne peut s'empêcher d'aimer finiront de conquérir l'auditeur jusqu'à l'ultime morceau : It's True That We Love One Another est un pur moment de bonheur et surtout d'humour pour peu qu'on connaisse l'histoire du groupe.

Aucun doute, Elephant laissera son empreinte.

Ecoutez Girl You Have No Faith In Medicine :



Ecoutez Black Math :

Drifting

Artiste : Ben's Symphonic Orchestra

Date de sortie : 13 octobre 2003

Label : Microbe

Durée : 45'17''

Après Bashung, Gainsbourg, Dominique A, Piers Faccini et M83, poursuivons notre tour d'horizon de la musique de qualité produite en France. Evoquons donc sans plus attendre le cas de Ben's Symphonic Orchestra.

Car l'orchestre symphonique de Ben (Benoit Rault) est surtout et avant tout composé de lui même. Dès la première écoute, il est difficile de ne pas tomber sous le charme des étranges mélodies qui se développent et croissent comme des herbes folles, s'entremêlant, se détournant du chemin que l'on aurait imaginé les voir emprunter, pour finalement nous surprendre encore et toujours.

Une voix haut perchée nous emmêne vers des cieux musicaux beaucoup plus cléments où nous pouvons nous laisser dériver (to drift en anglais) à loisir, et l'on se laisse bercer par Old Lady, From Hull To Hawaï, ou le champètre Bring Me Back To My Country, réveiller par If You Want To Be My Lady (Part 1 & 2) en gageant qu'il ne parle pas de la même et God Never Watches You rappelle le meilleurs de Eels.

Et puis on se laisse surtout surprendre par Miss You, génial boucle hypnotique, lente, aux accents désarticulés. Morceau qui à lui seul vous ordonne d'écouter ce disque remarquable et encore trop méconnu.

Pour courroner , la pochette nous replonge dans un univers proche de celui du regrété Roland Topor... Absurde, mélancolique, onirique...

21 Grams

Artiste : Gustavo Santaolalla pour le score, et la participation de : Ozomatli, War, Ann Sexton, Chronos Quartet, Benicio Del Toro

Date de sortie : 25 novembre 2003

Date de sortie du film : 5 septembre 2003

Label : Varèse Sarabande

Durée : 38'14''

Une musique douce et intense pour un film dramatique et tout aussi intense. Voici comment on pourrait résumer la bande originale de 21 Grams. A la fois électrique et accoustique, proche dans ses échos du meilleur de Thomas Newman. Accents hispanisants, guitare et accordéon, et voix d'un Benicio Del Toro en bad boy repentit se mêlent, tandis que progressent diverses intrigues en pointillé vers une issue sans espoir. C'est là que Santaolalla excelle. En nous donnant l'impression que derrière ses notes se cachent systématiquement des lumières crépusculaires, des ciels d'orage, des êtres délavés à la peau tannée et aux âmes en ruine.

A noter, Shake Rattle and Roll, titre sur lequel Benicio Del Toro murmure la complainte angoissée des gens qui doivent et ne peuvent sortir du lit, parce qu'ils ont trop à expier.

Ecoutez Should I Let Her Know? :

Void of Value

Artiste : The Satirnine

Label : mnw

Date de sortie : 31 mars 2003

Durée : 31'58''

Douze chansons, 31 minutes 58 de musique. C'est fort, ça tape, et ça perd pas de temps. Alors pour une fois, je ferai court. Fonce chez ton copain le disquaire le plus proche et secoue toi les cheveux en rythme !





Regardez Hey No Hell :




Leur espace ICI.

Promise of Love

Artiste : The American Analog Set (Amanset)

Date de sortie : 17 juillet 2003

Label : Labels / Tiger Style / We Love You/ Wall of Sound

Durée : 39'16''

Un appartement classieux en plein midtown, New York City, une dizaine de personnes dans la pièce. Epuisé par une journée de marche entre Brooklyn et Manhattan, allongé sur la moquette épaisse, je réalise soudain que mon amie Erin vient d'Austin, Texas.

- By the way, would you know a band called The American Analog Set ? They're great and they come from Austin too.

- See that girl over there ? She's dating the drummer.

It's a small world.La musique d'Amanset est à la fois Pop et Rock, ajoutons à cela qu'elle louche admirablement bien vers la musique électronique. Elle en devient donc rapidement inclassable. On pense parfois, pourtant, au meilleur de Air, mais avec une dimension beaucoup plus entraînante, de celle que le duo versaillais serait bien en peine d'atteindre (Continuous Hit Music).

Ici pas de vocoder. Quand la voix n'est pas absente, elle est discrète et soutient les compositions plus qu'elle ne les dirige (Fool Around). La puissance des morceaux vient essentiellement de la rythmique, leur subtilité de la mélodie. Comprenez, ce n'est pas une musique à riff.

Une découverte raffraichissante.En écoute et téléchargement libre Hard to Find, extrait de l'album, sur leur site officiel.

Reality

Artiste : David Bowie

Label : Iso

Date de sortie : 16 septembre 2003

Durée : 49'17''

Durée du deuxième disque de l'édition double : 10'13''

Produit par Tony Visconti (de retour aux manettes de Bowie depuis l'album Heathen), Reality est un album énergique et résolument rock.

Bowie, lors de son précédent effort avait déjà abordé les évenements du 11 septembre, Heathen (Païen en anglais) avait été enregistré en partie à cette époque et l'enregistrement s'en était trouvé en partie chamboulé. Il y revient ici dès le premier titre. New Killer Star, qui évoque la grande cicatrice blanche au dessus de Battery Park (le parc, situé au sud de Manhattan, à quelques centaines de mètres du site du World Trade Center avait été crée dans les années 70 à partir du remblais fourni par les travaux réalisés pour en creuser les fondations).

Le titre suivant est une reprise de Johnatan Richman, Pablo Picasso, déjà popularisée (si l'on peut dire) par John Cale qui la reprend régulièrement en concert (lors de ses deux dernières performances parisiennes, notamment). Mais c'est une version beaucoup plus rock que les versions de Cale que nous livre ici Bowie.

Puis vient Never Get Old, un titre où il n'y aura jamais assez de sexe, de drogue, et, il faut croire de Rock n' Roll. Un extrait de la chanson avait été utilisé lors d'une campagne publicitaire pour Vittel où Bowie se trouvait nez à nez avec les nombreux personnages ou Döpelgangers. On ne peut s'empêcher d'admirer le fait que Bowie à 56 ans rentre encore dans les costumes, mais il faut bien avouer que le tout est un peu ridicule.

The Loneliest Guy, tout comme plus loin Days (quasi insupportable avec son rythme à la péruvienne, fermez les yeux, vous verrez défiler les lamas), sont les deux chansons faiblardes du disque, vraiment en dessous du reste. A peine meilleure, la reprise de George Harrison ce qui est étrange. Pourquoi en effet choisir de reprendre une chanson médiocre d'un artiste qui en a livré tant de grandioses ?

Looking for Water (encore, après la pub Vittel), She'll Drive the Big Car et Fall Dog Bomb the Moon (avec un chien animé en peluche qui remuait la tête pendant les concerts !) bénéficient d'une production aérée, légère pour ainsi dire, de bons titres, simples, efficaces qui manquent, hélas, parfois de la petite étincelle qui les ferait décoller.

Le disque se conclut en beauté avec l'un des titres les plus rock des derniers albums de Bowie, Reality qui donne son nom à l'album. Guitares affutées, rythmique lourdes, chant méprisant, quasi punk, une réussite. Puis, les 7 minutes 45 de Bring Me the Disco King (un titre qui datait des sessions de Black Tie White Noise, en 93, et qui était resté dans les cartons !) calment le jeu et les esprits. C'est sans doute la meilleure chanson de l'album, par son côté soul qui n'est pas sans rappeler l'époque Young Americans, par ses paroles désabusées (Johnny Cash reprenant le Hurt de Trent Reznor avait fait tout aussi crépusculaire), par son fiel dans l'énonciation.

Regardez New Killer Star en live lors de l'émission Trafic de Guillaume Durand :



A noter, un disque bonus de 3 titres était présent dans l'édition limitée de lancement.

Fly, un titre rock saturé sympatique, Queen of all the Tarts dont Bowie se servait en intro de ses concerts pour habiller les images qui défilaient sur l'écran géant, et enfin une reprise assez nue (le riff y est réduit à un vague souvenir) de Rebel Rebel, également présent sur la bande originale du film Charlie's Angels 2.

Dead Cities, Red Seas & Lost Ghosts

Artiste : M83

Label : Gooom / Labels

Date de sortie : 15 avril 2003

Durée : 56'45''

Un peu de musique électronique ferait-il du mal à ces pages ? La réponse est non. D'abord parce que je suis chez moi, mais surtout, parce que ce disque est sacrément bon. Rien à voir avec la soupe à base de Bontempi dont on nous abreuve régulièrement. Bien au contraire.

La musique de M83 est une musique travaillée à l'extrême, peaufinée, patinée, qui donne envie de partir. Loin, très très loin. Comme les personnages sur la pochette, on pourrait s'imaginer fuir les Dead Cities, Red Seas & Lost Ghosts et se retrouver, épuisés par la course, au milieu d'un champs, les bras en croix allongés dans la neige.

A lire les informations qui circulent sur le net, les deux petits gars d'Antibes (car, oui, ils sont français !!!), Nicolas Fromageau et Anthony Gonzales se seraient beaucoup inspirés de Boards Of Canada et de My Bloody Valentine. On ajoutera tout de même que contrairement à ces deux augustes et respectées influences, M83 est tout de même un disque aux accents plus joyeux et moins froid qu'un Loveless ou un Music Has The Right To Children.

A écouter de toute urgence...

Ecoutez Unrecorded :



Ecoutez Gone :

Leur MySpace

Lost in Translation

Artistes : Kevin Shields, Sébastien Tellier, Squarepusher, Death In Vegas, Phoenix, Brian Reitzell & Roger J. Manning Jr, はっぴいえんど (Happy End), My Bloody Valentine, Air, The Jesus & Mary Chain, Bill Murray.

Date de sortie : 9 septembre 2003

Label : Nonesuch Records/ Empire Norton

Durée : 53'48''

Le deuxième film de Sofia Coppola est un chef d'oeuvre. Ni plus ni moins. Bob (Bill Murray), acteur un peu sur le retour se voit offrir plusieurs millions de dollars pour passer quelques jours à Tokyo où il enregistrera une pub pour du whiskey. En plein jet lag et peu coutumier des usages locaux, il se traine du studio à l'hôtel et de sa chambre au bar où il croise Charlotte (Scarlett Johanson), jeune femme désoeuvrée et épouse un peu délaissée d'un photographe people. Naitra une amitié déroutante...

Et la bande originale n'est pas pour rien dans le succès de Lost in Translation. Kevin Shields, leader de My Bloody Valentine en est même sorti de sa retraite pour donner de la voix et de la composition (et une suite inattendue à Loveless). City Girl est un excellent titre, et ses trois instrumentaux sont plutôt originaux pour qui s'attend à de la guitare saturée.

Air, déjà présents sur The Virgin Suicide dont ils avaient signé tout le score et le langoureux Highschool Lover ne posent ici qu'un instrumental assez savoureux : Alone in Tokyo.

Pêle-mêle on retrouve également ce qui est sans doute le meilleur titre de Sébastien Tellier (Fantino), et un des meilleurs titres de Death in Vegas (Girls, qui défile comme les buildings dans la nuit).

Ici, Phoenix et Squarepusher jouent dans la cour des grands, et le groupe はっぴいえんど (comprenez Happy End) nous fait découvrir une pop japonaise savoureuse et karaokéïsante.

Coppola ressort aussi de bon vieux classiques : Sometimes de My Bloody Valentine et Just Like Honey de The Jesus & Mary Chain.

Ajoutez à cela les instrumentaux de Brian Reitzell & Roger J. Manning Jr qui collent parfaitement aux images et à l'ambiance du Japon millénaire tout autant qu'High Tech et vous aurez de quoi patienter dans un silence religieux de presque dix minutes pour découvrir en morceau caché un Bill Murray qui se prend l'espace d'un instant pour Brian Ferry.

A se procurer d'urgence (et si vous arrivez à le trouver, en version collector).

Ecoutez Good Bye de Kevin Shields :